Ikebana 101 : Tout ce dont vous avez besoin pour comprendre (et pratiquer) l'art japonais de l'arrangement floral

Par Elissa Suh

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Avec une histoire de plus de 600 ans, l'ikebana reste une tradition chérie au Japon, transmise de génération en génération comme un moyen de se connecter avec la nature et d'exprimer sa créativité. Ce type spécifique d'arrangement floral est devenu une forme d'art très respectée qui reflète le sens esthétique et la philosophie japonaise.

Ces dernières années, une nouvelle vague d'ikebana moderne a émergé, défiant les formes traditionnelles et repoussant les limites du possible. Des arrangements audacieux et minimalistes aux designs avant-gardistes, l'ikebana (et le freakebana associé) attire une nouvelle génération de passionnés attirés par son esprit innovant et son style contemporain.

L'ikebana, également connu sous le nom de kado, ou "la voie des fleurs", est une forme d'art japonais traditionnel qui implique l'arrangement de fleurs et d'autres matériaux naturels de manière stylisée. Selon Shozo Sato, artiste et auteur de The Art of Arranging Flowers, ses origines remontent au VIe siècle, lorsque la Chine a introduit le bouddhisme au Japon. De simples arrangements floraux (appelés kuge) étaient une façon d'honorer Bouddha, et cette pratique a évolué au fil du temps vers l'art plus formalisé de l'ikebana.

Alors que l'ikebana a des racines bouddhistes, son développement remonte en fait au Japon ancien, où des facteurs clés comme le paysage ont joué un rôle dans sa création. "L'Ikebana n'était pas seulement une question de design au début. C'est plutôt une appréciation de la nature", déclare Asae Takahashi, président de l'Ohara School of Ikebana New York Chapter. "Avec 70% de leur pays couvert de montagnes et abritant de nombreux étangs, lacs et rivières, les Japonais avaient non seulement de l'admiration pour la nature, mais aussi une peur d'elle." On pensait que les fleurs et les arbres en particulier avaient un fort pouvoir d'attraction des dieux, et les gens laissaient des fleurs et des branches dans leurs maisons pour les accueillir, selon une coutume connue sous le nom de yorishiro.

Après l'arrivée du bouddhisme, l'ikebana s'est développé plus clairement aux XVe et XVIe siècles, ainsi que d'autres arts culturels japonais, comme le chado (cérémonie du thé), le kodo (appréciation de l'encens) et la danse dramatique noh. Pendant cette période cependant, pour les prêtres et les moines bouddhistes, l'ikebana était une activité dominée par les hommes. Ce n'est qu'au 18ème siècle que la pratique est devenue l'une des principales activités de loisirs, se diversifiant finalement dans différentes écoles d'ikebana.

La philosophie derrière l'ikebana est ancrée dans l'esthétique japonaise, qui met l'accent sur la simplicité, l'élégance discrète et le respect de la nature. L'ikebana ne consiste pas simplement à arranger des fleurs, mais à créer une relation harmonieuse entre les matériaux naturels utilisés dans l'arrangement et l'espace qui les entoure. "Nous essayons de copier et coller ce à quoi ressemble la nature dans un conteneur", explique Asae.

Dans l'ikebana, l'arrangement des fleurs ne consiste pas seulement à créer un effet visuel agréable, mais aussi à exprimer un sens de l'équilibre, de l'harmonie et de la beauté de l'impermanence. Contrairement à l'arrangement floral occidental, qui met souvent l'accent sur la symétrie et l'utilisation d'une grande variété de fleurs et de feuillages, l'ikebana a tendance à être plus sobre.

Se concentrant sur l'utilisation de quelques éléments soigneusement choisis, l'ikebana est disposé de manière à mettre en valeur la beauté inhérente et les qualités naturelles de la fleur. "Nous utilisons une quantité minimale de branches par rapport aux arrangements de style européen, qui utilisent, par exemple, 6 200 roses."

Les arrangements floraux japonais privilégient l'asymétrie et l'espace négatif, ce qui crée une sensation de mouvement et de dynamisme dans l'arrangement. "Dans Ikebana, l'une des choses les plus importantes est de s'assurer que vous avez l'espace vide dans l'arrangement. Nous n'aimons pas une approche géométrique." Cela aide à donner aux fleurs un sentiment de vie et de vitalité, et crée également une sensation de profondeur et d'espace dans l'arrangement.

Il existe des millions d'écoles différentes (ryuha) d'ikebana au Japon, chacune avec ses propres techniques, styles, philosophies et grands maîtres (ou iemoto). Les écoles les plus connues sont Ikenobo, Ohara et Sogetsu, qui ont toutes joué un rôle important dans l'histoire et l'évolution de l'ikebana.

Historiquement, l'ikebana utilisait la flore japonaise indigène, comme les fleurs de cerisier, les chrysanthèmes, le pin et le bambou, qui avaient différentes significations et associations. Mais l'ikebana moderne intègre de nombreuses fleurs différentes en tenant compte de la saisonnalité et de l'espace.

"Si vous avez un espace très étroit et si vous apportez un énorme hortensia, cela ne fonctionne pas", ajoute Asae. Alors que dans le passé, les arrangements se trouvaient dans une alcôve (tokonoma) conçue spécifiquement pour leur affichage, aujourd'hui, vous travaillez peut-être avec un salon ou un coin dans votre appartement, et vos choix floraux devraient suivre.

En termes de saisonnalité, Asae propose de choisir les matières en anticipant une saison, comme dans la mode. "Pendant l'été, les maisons de couture présentent déjà la saison d'automne et l'ikebana suit une approche similaire car nous aimerions divertir un invité, pour montrer à l'avenir." Quant à la couleur, Asae recommande de choisir vos favoris.

Dans l'école Ohara d'ikebana, les arrangements sont composés de trois principaux types de tiges, sujet (shushi), objet (kyuaku shi) et secondaire (chu kanshi), qui sont ajustés dans des bassins bas avec un kenzan. Asae suggère d'utiliser un bol à pâtes ou à salade; un bol de ramen ne fonctionnerait pas à cause de ses côtés hauts.

Le sujet est la tige la plus haute - environ le double de la taille du récipient (le diamètre et la hauteur du bol). Asae le surnomme le roi, puisqu'il contrôle et organise tout l'arrangement. "C'est presque comme un chef d'orchestre dans l'orchestration."

L'objet est alors la reine, qui fait un tiers de la taille du sujet et est placée au centre avant. "Une fois que vous avez placé le sujet et l'objet, 90 % de votre travail est terminé", explique Asae. Les tiges secondaires sont des charges, complétant l'arrangement. Ils doivent être quelque part entre le sujet et l'objet, ou environ les deux tiers de la longueur du shushi.

Bien sûr, il y a toujours plus à apprendre, mais comprendre ces principes de base est un excellent premier pas dans le monde de l'art floral et une façon incroyable de se connecter plus profondément avec la nature tout en exprimant votre créativité.